être formé
en trois ans
jeu cinéma & théâtre
entre 15 et 45h de cours / semaine (selon le choix de l'élève) pour un tarif unique
des masterclass de professionnels (directeurs de casting, réalisateurs) et des collaborations avec des écoles de réalisations / maquillage de la région
un suivi personnalisé de chaque élève
être accompagné
dans l'après
au sortir de la formation, être représenté par l'agence artistique QM et la Compagnie théâtrale QM afin de faciliter l'entrée dans le monde professionnel
NOS VALEURS
LA MÉTHODE
1.
VISER L'EXCELLENCE
2.
POUR FASCINER LES PROFESSIONNELS
Pour tirer son épingle du jeu dans le monde professionnel, un acteur doit avoir un niveau de jeu irréprochable. Or, de la même manière que le ferait un athlète, c'est en passant sur scène très souvent qu'un acteur progressera. C'est pourquoi nous faisons le choix d'un volume hebdomadaire de cours élevé (15 à 45h / semaine, bien au delà de la moyenne des autres formations artistiques), pour que l'élève passe plusieurs fois par semaine, et sur des scènes différentes (dialogues, monologues, cinéma, théâtre). De la même manière, nous voulons qu'ils sachent apprendre un texte rapidement et efficacement pour être réactifs, qu'ils sachent faire des propositions de jeu, des créations de personnages, et qu'ils soient professionnels depuis le moment où ils reçoivent un casting jusqu'au dernier plan qu'ils auront eu à tourner pour le projet en question. Ils doivent être irréprochables.
Un directeur de casting ou un réalisateur doit avoir "envie" de travailler avec un acteur. La raison pour laquelle nous insistons autant quant au niveau de jeu de nos élèves est justement pour qu'ils puissent se révéler fascinants dès la première rencontre avec les professionnels. Qu'ils aient le sentiment de faire "une découverte" en nos élèves, et veuillent à tout prix les faire travailler.
NOS VALEURS
NOS VALEURS
"Notre objectif est simple: pousser nos élèves vers l'excellence pour que dès leurs premières expériences professionnelles, ils puissent marquer les esprits."
Jérémy Azencott, fondateur QUATRIEME MUR
1.
BIENVEILLANCE
Depuis l'équipe pédagogique en passant par les élèves, le critère premier pour entrer et rester chez QM est la bienveillance. Chacun avance à son rythme, charge à l'équipe pédagogique de s'adapter à chacun.
2.
TRAVAIL
Nous voulons faire progresser les élèves rapidement en se basant sur de solides concepts de jeu, et mettons tout en oeuvre pour y parvenir: textes écrits sur mesure pour travailler différents concepts de jeu, cours complets et mise en pratique en conditions professionnelles.
3.
CONFIANCE EN SOI
Un bon acteur est un acteur qui a confiance en lui avant tout. Nous poussons donc nos élèves à aider les nouveaux arrivants et faire d'eux des professionnels humains avant tout. L'entraide entre élèves est primordiale chez QM.
Pour en découvrir plus sur la philosophie de l'école,
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VOLUME HEBDOMADAIRE:
15 À 45H DE COURS/SEMAINE
EFFECTIF / CLASSE RÉDUIT:
MAXIMUM DE 16 ÉLÈVES / CLASSE
PRÉPARATION AUX CONCOURS
(CNSAD, ENSATT, ETC)
ENSEIGNEMENT DU JEU CINÉMA ET THÉÂTRE
(CRÉATION PERSONNAGE, ANCRAGE ÉMOTIONNEL, ETC)
MASTERCLASS DE PROFESSIONNELS (DIRECTEURS DE CASTING, RÉALISATEURS)
BOOK PHOTOS, PIÈCES DE THÉÂTRE ET BANDE DÉMO
EXERCICES VARIÉS: IMPROVISATION, ANALYSE DE TEXTES, ETC
PARTENARIATS AVEC LES ÉCOLES DE RÉALISATIONS ALENTOURS
DIPLÔME EN TROIS ANS
INTÉGRER L'AGENCE ARTISTIQUE ET LA COMPAGNIE THÉÂTRALE QM
Vous avez des questions? Contactez nous ici
LE TRAVAIL DE NOS ÉLÈVES
EN VIDÉO
LE TRAVAIL DE NOS ÉLÈVES
EN VIDÉO
L'enseignement proposé au QUATRIEME MUR est exigeant afin que la qualité du jeu des élèves soit au rendez-vous. Ainsi, régulièrement, nous publions leur travail, en vidéos.
ACTUALITÉS CINÉ/TÉLÉ
DE NOS ÉLÈVES ET
PRIX D'INTERPRÉTATION
QUATRIEME MUR
RÉPOND AUX QUESTIONS
LES PLUS FRÉQUENTES
POSÉES À UN ACTEUR
COMMENT FAITES-VOUS POUR APPRENDRE UN TEXTE? L'APPRENEZ-VOUS PAR COEUR? Surtout pas! Au QUATRIEME MUR, la première chose que nous enseignons est d'oublier la notion de "par coeur" si l'on veut être un véritable acteur. En effet, contrairement à une croyance populaire, un véritable acteur n'apprend pas son texte par coeur. Il en comprend tout simplement le sens profond, le caractère du personnage et les idées/opinions qu'il développe dans le scénario. Ce travail minutieux effectué, la logique et donc l'apprentissage du texte vient de lui-même, et l'élève sera capable de respecter le texte à la lettre, sans pour autant l'avoir appris "par coeur". Mieux encore, il sera capable d'apprendre une page entière de monologue, en moins d'une heure. Nous entrainons nos élèves à une rapidité d'apprentissage du texte via l'exercice "1h / 1 texte", car nous voulons qu'ils travaillent leur rapidité d'exécution. Nous proscrivons donc le "par coeur". Car cela est par ailleurs très dangereux: d'une part cela entrainera un jeu mécanique, non ressenti, et d'autre part cela provoquera les fameux "trous de textes". Matthew McConaughey le dit très bien: "on me demande souvent comment je fais pour apprendre un texte. Je n'apprends pas mon texte. Je sais tout simplement de quoi je parle." Pour en savoir plus sur ce sujet, n'hésitez pas à regarder la vidéo que nous avons publié "Comment Apprendre Un Texte", dans la rubrique "actualités / articles de blog"
COMMENT PLEURER SUR COMMANDE? DOIT-ON PENSER À SES PROPRES TRAUMATISMES PASSÉS? Surtout pas! D'une part, un acteur ne pleure jamais "sur commande", et d'autre part il ne faut surtout pas penser à ses propres traumatismes, cela n'aurait aucun sens. Au QUATRIEME MUR, nous sommes très fermes sur la question. Par définition, un personnage est différent de l'acteur en bien des points: son caractère, son passé, sa façon de penser, etc. Donc la première raison pour laquelle il serait absurde de penser à son propre passé pour pleurer dans une scène est l'imprécision que cela implique. Votre personnage n'est pas vous, donc il n'a pas les mêmes raisons de pleurer. Or l'imprécision est l'ennemi de l'acteur. Le deuxième problème, bien plus grave, est que votre vie privée est sacrée. Si vous avez perdu votre grand mère, cela est un souvenir sacré, à ne pas "salir" pour une simple scène. Penser à ses propres traumatismes pour parvenir à exprimer X ou Y émotion sur une scène est donc à proscrire. La solution est de muscler son imagination. Un acteur travaille grâce à son imagination. Il va croire en son personnage, en la situation, et ne surtout pas focaliser sur le fait de pleurer. S'il croit seconde après seconde à ce qu'il fait, les pleurs viendront d'eux-même, parce que le personnage en sera traversé. De la même manière, il est erroné de penser qu'un acteur devrait savoir pleurer sur commande. Par définition, pleurer sur commande est quelque chose de mécanique, de non ressenti, un simple tour de passe passe, "on fait semblant". Or, un acteur ne doit pas faire semblant. Ce n'est pas lui, l'acteur qui pleure. C'est son personnage, pour une raison précise, dans un contexte précis, et de manière spécifique à lui. Méfiez-vous donc de celles et ceux qui proclameraient que pour pleurer, l'acteur devrait regarder une source de lumière jusqu'à verser une larme ou autres techniques absurdes. Par ailleurs, il n'y a qu'à observer le résultat de ce qu'ils font pour s'apercevoir à quel point cela n'est pas émouvant pour le spectateur, à la différence d'un acteur qui croira en tant que personnage à la situation. Là, ce sera terriblement émouvant.Pour en savoir plus sur le sujet, n'hésitez pas à aller consulter la vidéo que nous avons publié sur le sujet "Comment (ne jamais) pleurer sur commande", dans la rubrique "actualités / articles".
COMMENT DOIT-ON FAIRE POUR GÉRER LE TRAC AVANT DE PASSER UNE SCÈNE? Le trac, phénomène très courant chez les acteurs, est tout à fait normal, mais est trop souvent traité de la mauvaise manière. "Je dois souffler", je "dois respirer", etc. Effectivement, cela peut aider l'acteur temporairement, mais se contenter de cela équivaut à apposer un pansement sur une jambe de bois. Il suffit que le moindre accident intervienne sur scène, et le trac, le stress, reviendront de plus belle. Pour ne pas être sujet au trac sur le long terme, il suffit d'appliquer une méthode simple et terriblement logique. Qui est sujet au trac? Uniquement l'acteur. Le personnage, par définition, puisque ce qu'il vit dans le film n'est pas une scène, mais "sa propre vie", n'y est pas sujet. Avant de tourner une prise au cinéma ou que le rideau ne se lève au théâtre, il suffit donc que l'acteur laisse place au personnage. Qu'il se mette à penser, parler et se déplacer en tant que personnage. Ainsi, il sera focalisé sur d'où il vient et ce qu'il doit faire, et ne sera sujet à aucun trac.
QUELLE MÉTHODE DE JEU ENSEIGNEZ-VOUS AU QUATRIEME MUR? MEISNER? ADLER? STANISLAVSKI? Nous enseignons au QUATRIEME MUR notre propre "méthode", si tant est que l'on puisse parler de méthode. Car à nos yeux, il n'y a pas de "méthode" à proprement parler qui prédominerait. Nous nous basons en effet sur les enseignements des grands pédagogues du XXème siècle (Dario Fo, Constantin Stanislaviski, Lee Strasberg, Stella Adler, Stanford Meisner, Louis Jouvet), en en tirant ce qui fonctionne au jour le jour au contact de nos élèves, nous ne cherchons pas à être rigides quant à X ou Y axe pour jouer la comédie. Car tout cela est propre à chacun, en fonction de sa sensibilité. Nous travaillons à partir de concepts forts de jeu édictés par le directeur, J. Azencott, qui confronte son enseignement au jour le jour à ce qui est le plus efficace, le plus concret, compréhensible, et applicable rapidement pour les élèves. La clé est l'aspect concret du travail entrepris au jour le jour. Tout cela cumulé au travail personnalisé fait au quotidien par le directeur J. Azencott avec chaque élève permet une progression rapide: car chaque élève est différent, et méritera donc une approche différente. Jouer la comédie n'est pas un domaine aussi concret que les mathématiques: il ne suffit pas de respecter "une formule magique", et le tour est joué. C'est un chemin d'apprentissage qui sera propre à chaque élève acteur. Enfin, nous partons du principe qu'un acteur doit avoir la même discipline qu'un athlète, ou un danseur. Tous les jours, il doit s'exercer. A commencer par muscler son outil premier: son imagination. Plus son imagination sera fertile, plus il saura créer de toutes pièces un personnage, et raisonner en tant que tel. Tout ce que l'acteur crée doit être fictif. Depuis la backstory (le passé imaginaire) de son personnage, en passant par la carte d'identité de celui-ci (sa façon de penser, de bouger et de parler), tout doit être créé de A à Z. Le jeu de l'acteur est chez nous une passion que nous essayons de transmettre à nos élèves tous les jours.